Una escena de Star Trek II: La ira de Khan. Foto: sensacine.com
‘Star Trek II: La ira de Khan’, ‘Dirty Dancing’, ‘Beverly Hills Cop’, ‘Spy Kids’, ‘Mi Familia’, ‘Uptown Saturday Night’, ‘Up in Smoke’, ‘Texas Chainsaw Massacre’ y ‘The Social Network’ entre los títulos seleccionados para recibir el reconocimiento
Un total de veinticinco películas fueron seleccionadas para el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso en 2024 «debido a su importancia cultural, histórica o estética para preservar el patrimonio cinematográfico de la nación», anunció la bibliotecaria del Congreso Carla Hayden.
Explicaron los voceros de la Biblioteca, que las nuevas selecciones datan de hace casi 130 años e incluyen un grupo diverso de películas, cineastas y lugares emblemáticos de Hollywood. Las selecciones abarcan desde una película muda creada para atraer al público en los albores del cine en 1895 hasta la película seleccionada más reciente de 2010, un drama sobre las redes sociales.
Los estrenos populares de Hollywood seleccionados este año incluyen la primera película de Star Trek agregada al registro, “ Star Trek II: La ira de Khan ” de 1982, así como el primer largometraje de Eddie Murphy en el registro, “ Beverly Hills Cop ”.
El público presentó nominaciones de más de 6.700 títulos para su consideración este año. Varios títulos seleccionados este año recibieron un fuerte apoyo del público, entre ellos: “ La matanza de Texas ”, “ Star Trek II: La ira de Khan ”, “ Sin lugar para los débiles ”, “ La red social ” y “ Dirty Dancing ”.
Las selecciones elevan a 900 el número de títulos del registro. Algunas películas se encuentran entre los 2 millones de ejemplares de la colección de imágenes en movimiento que conserva la Biblioteca del Congreso. Otras se conservan en coordinación con los titulares de los derechos de autor u otros archivos cinematográficos.
“Las películas reflejan la historia y la cultura de nuestra nación y deben conservarse en nuestra biblioteca nacional para las generaciones futuras. Nos sentimos honrados por la responsabilidad de agregar 25 películas nuevas y diversas al Registro Nacional de Cine cada año mientras trabajamos para preservar nuestro patrimonio cultural”, dijo Hayden.
“Este es un esfuerzo colectivo de la comunidad cinematográfica para preservar nuestro patrimonio cinematográfico, y estamos agradecidos a nuestros socios, incluida la Junta Nacional de Preservación de Cine”, agregó.
Turner Classic Movies (TCM) presentará un especial de televisión el miércoles 18 de diciembre , a partir de las 8 p. m., hora del Este, para proyectar una selección de películas incluidas en el registro este año. Hayden se unirá a la presentadora de TCM e historiadora de cine Jacqueline Stewart, quien es presidenta de la Junta Nacional de Preservación de Películas , para hablar sobre las películas.
Stewart dirigió la junta en el estudio y recomendación de películas de una variedad de géneros y épocas para ser consideradas para el registro.
“El Registro Nacional de Cine ahora incluye 900 títulos, y lo que me parece notable es que cada año, cuando el comité habla sobre películas y su importancia, encontramos nuevos títulos para considerar. La riqueza de la historia del cine estadounidense a veces es bastante abrumadora, y la gente a menudo se pregunta: ¿cómo recomendarías esta o aquella película?”, destacó Stewart.
“Es a través de mucha investigación, conversación y debate, y es a través de un compromiso para mostrar la verdadera diversidad de la realización cinematográfica. Estoy encantado de que reconozcamos películas de estudiantes y películas independientes, animación, documentales y obras experimentales, así como largometrajes de drama narrativo, comedia, terror y ciencia ficción en el registro este año”, añadió la vocera de la Junta Nacional de Preservación de Películas.
Películas seleccionadas para el Registro Nacional de Cine de 2024
(orden cronológico)
- La danza serpentina de Annabelle (1895)
- Control de la Tierra de KoKo (1928)
- Ángeles con caras sucias (1938)
- El orgullo de los Yankees (1942)
- Invasores de Marte (1953)
- El hacedor de milagros (1962)
- Las chicas de Chelsea (1966)
- Ganja y Hess (1973)
- La matanza de Texas (1974)
- Sábado por la noche en Uptown (1974)
- Películas estudiantiles de Zora Lathan (1975-76)
- En el humo (1978)
- Voluntad (1981)
- Star Trek II: La ira de Khan (1982)
- Un detective suelto en Beverly Hills (1984)
- Baile sucio (1987)
- Hilos comunes: historias de la colcha (1989)
- Carretera Powwow (1989)
- Mi Idaho privado (1991)
- Yo soy americano (1992)
- Mi Familia (1995)
- Compensación (1999)
- Niños espías (2001)
- No es país para viejos (2007)
- La red social (2010)
Nominaciones públicas para el Registro Nacional de Cine
Este año, el público presentó 6.744 títulos para su consideración. El público puede enviar nominaciones durante todo el año en el sitio web de la Biblioteca. Las nominaciones para el próximo año se aceptarán hasta el 15 de agosto de 2025. Emita su voto en loc.gov/film .
Aaron Sorkin recuerda ‘La red social’
En una entrevista con la Biblioteca del Congreso, Aaron Sorkin recordó la realización de “La red social” sobre los orígenes de Facebook y su colaboración con el director David Fincher. Sorkin escribió el guion con su característico diálogo rápido basado en el libro de 2009 “The Accidental Billionaires” de Ben Mezrich.
“Me pareció un buen drama judicial. En ese momento no sabía que iba a ser mucho más que eso”, dijo Sorkin. Compara el trabajo de crear diálogos para la pantalla con el de hacer música.
“Siempre que se utiliza el habla con fines interpretativos, tiene las mismas cualidades y reglas que la música. Es música. Tiene tono, altura y ritmo”, agregó Sorkin. “Por eso, para mí, el sonido de una línea es tan importante como su significado”.
En el caso de “La red social”, Sorkin recordó que durante una sesión de planificación inicial, Fincher le pidió a Sorkin que leyera el guión completo en voz alta al ritmo en que lo escuchaba en su cabeza cuando estaba escribiendo el guión.
“Normalmente, un guión tiene unas 110 o 120 páginas. Los míos son mucho más largos porque hay mucho diálogo sin mucha acción”, explicó Sorkin.
“David (Fincher) estaba tratando de convencer al estudio de que este guión de 172 páginas iba a ser una película de dos horas. Así que me invitó a mí. Se sentó allí con un cronómetro y anotó el tiempo de cada escena. Y cuando empezamos a ensayar, ya sabes, estábamos ensayando la primera escena», señaló.
«Estaba ensayando con Jesse (Eisenberg) y Rooney (Mara) en una mesa… y decía: ‘Y por cierto, esta escena tiene que durar siete minutos y 20 segundos, y la estás proyectando a siete minutos y 50 segundos, así que aceleren el proceso’. La película terminó durando una hora y 59 minutos”, apuntó.
Películas que reflejan la cultura y los artistas hispanos
Cinco películas seleccionadas este año incluyen artistas o temas hispanos destacados, entre ellas “ American Me ”, “ Mi Familia ”, “ Star Trek II: The Wrath of Khan ”, “ Spy Kids ” y “ Up in Smoke ”.
Dos películas este año presentan el trabajo de Edward James Olmos: “Mi Familia” y “American Me”. Con esto, Olmos suma ocho películas en el registro como actor. “American Me” es su primera aparición como director en el registro.
Con la incorporación de “Mi Familia” este año, el director Gregory Nava ahora cuenta con tres reconocidas exploraciones de la experiencia hispana en el Registro Nacional de Cine. “Mi Familia” se suma a las selecciones anteriores “El Norte” y “Selena”.
Dos películas de este año también cuentan con Cheech Marin: “Up in Smoke” y “Spy Kids”. Estas son las primeras películas de Marin en el registro. “Up in Smoke” es también la primera película de Cheech y Chong en el registro.
En una entrevista con la Biblioteca del Congreso, Marin recordó haber hecho las comedias de Cheech & Chong. “El nivel de improvisación que le dimos a esas películas es lo que les dio espontaneidad”, dijo Marin. “Y es por eso que la gente pensó que estaban sucediendo por primera vez. Porque en muchos casos, estaba sucediendo por primera vez”.
La película “Spy Kids” está protagonizada por Antonio Banderas en el papel de Gregorio Cortez. El nombre es un guiño a la herencia hispana y al famoso Gregorio Cortez. La película “The Ballad of Gregorio Cortez” se agregó al Registro Nacional de Cine en 2022. “Spy Kids” es la primera película de Antonio Banderas en el registro.
Dos de las películas seleccionadas este año fueron producidas por Lou Adler: “American Me” y “Up in Smoke”. Adler tiene otras películas en la lista, entre ellas “Monterey Pop”, “Rocky Horror Picture Show” y una aparición en “20 Feet From Stardom”.
Una de las selecciones con fuertes nominaciones del público este año, “Star Trek II: La ira de Khan”, tiene al actor mexicoamericano Ricardo Montalbán como el principal antagonista de la película.
La diversa historia de una nación en la pantalla
Esta selección de 2024 incluye diversidad entre los cineastas y en las historias representadas en la pantalla como reflejos de la sociedad.
Este año, varias películas fueron realizadas por directores negros, entre ellas: “ Compensation ”, “ Ganja and Hess ”, “ Uptown Saturday Night ”, “ Will ” y “ Zora Lathan Student Films ”. La película “Will” es considerada ampliamente como el primer largometraje independiente dirigido por una mujer negra, Jessie Maple, una directora de fotografía y pionera.
Este año, se seleccionó un documental ganador del premio Oscar que cuenta la historia del National AIDS Memorial Quilt, “ Common Threads: Stories from the Quilt ”, y un período importante en la historia LGBTQ. La biblioteca también conserva los registros de archivo recientemente digitalizados del National AIDS Memorial Quilt, que representan las vidas de quienes murieron de SIDA desde 1981.
Los personajes y la cultura de las personas sordas están representados en dos películas este año: “ The Miracle Worker ” de 1962 y “ Compensation ” de 1999. En “The Miracle Worker”, Arthur Penn muestra la historia de Helen Keller de una manera directa y sin sentimentalismos inusual para su época. La película ganó dos premios Oscar, incluido el de Mejor Actriz para Anne Bancroft y el de Mejor Actriz de Reparto para Patty Duke, que tenía 16 años y era la persona más joven en ganar un Oscar en ese momento.
Uno de los aspectos más llamativos de “Compensation” es su inusual enfoque narrativo. Tras elegir a la actriz sorda Michelle A. Banks, la directora Zeinabu Irene Davis y el guionista Mark Arthur Chéry modificaron la película para incorporar lenguaje de señas y carteles de presentación, haciéndola accesible tanto para el público sordo como para el oyente. El relativo silencio de la película y el uso de carteles de presentación ornamentados también funcionan como un homenaje a los cineastas negros de la era del cine mudo, a los que Davis hace un guiño cuando envía a los personajes al cine para ver “The Railroad Porter” (1913) de William Foster, considerada la primera película de ficción de un cineasta negro.
“Mi escena favorita de la película es la recreación de una película perdida”, dijo Davis a la Biblioteca sobre esa conexión en “Compensation”. “La única razón por la que pude recrear esta película fue porque había una sinopsis de ella en el Chicago Defender”.
La selección “ Powwow Highway ” de 1989 se destaca como uno de los primeros clásicos independientes que trata a los nativos americanos como personas comunes, navegando por las complejidades de la vida cotidiana, alejándose de los estereotipos perpetuados durante mucho tiempo. La película se basó en la novela del mismo nombre de David Seals.
El Registro Nacional de Cine de 2024
(descripciones en orden alfabético)
Yo soy americano (1992)
En su debut como director de cine, Edward James Olmos no se corta a la hora de retratar las oscuras y brutales realidades de la vida de las pandillas chicanas en Los Ángeles. La película sigue el ascenso ficticio de un líder de la mafia mexicana (interpretado por Olmos) y la dura vida dentro y fuera de la prisión. Basada libremente en una historia real, la representación de la violencia y el abuso que hace la película a veces puede ser difícil de ver, pero trae a la realidad quién controla el tráfico de drogas en la prisión y en las calles. En una entrevista con la Biblioteca del Congreso, Olmos dijo: «Busqué historias que nadie más iba a contar. Originalmente, nadie quería hacer ‘American Me’, pero sabía que tenía que contarla».
Ángeles con caras sucias (1938)
El doble golpe de James Cagney (Rocky Sullivan), Humphrey Bogart (James Frazier) y el director Michael Curtiz hacen de este drama criminal ambientado en la época de la Depresión uno que refuerza la idea de que Estados Unidos se construyó en las calles de los barrios inmigrantes, segregados y pobres. Estrenada en los primeros años del Código de Producción, «Angels» encontró una manera de redimir a sus personajes de gánsteres y jugar con las reglas que requerían un tema redentor. La conciencia arrogante del ex convicto Sullivan se manifiesta en la forma de su amigo de la infancia convertido en clérigo, el padre Jerry Connolly (Pat O’Brien), que hace todo lo posible para mantener a raya a los tipos listos y dar otro ejemplo para los adorables y traviesos Dead End Kids.
Danza serpentina de Annabelle también conocida como Danza serpentina – Annabelle (1895)
La década de 1890 marcó el nacimiento del cine, y las películas de esta década sirvieron como experimentos iniciales para definir el “lenguaje del cine”. Las primeras obras a menudo eran realidades que retrataban personas, lugares y cosas: el cine narrativo no se generalizó hasta una década después. “Serpentine Dance” constituye un excelente ejemplo de lo que la industria creó para atraer y encantar al público. Este cortometraje mudo de Edison Manufacturing Company es parte de una serie de grabaciones de los bailes populares interpretados por Annabelle Moore. En otro intento por atraer a los espectadores de cine, muchas copias presentaban colores teñidos a mano.
Un detective suelto en Beverly Hills (1984)
Los lemas “¡La presión está encendida!” y “En Detroit, un policía aprende a soportar la presión. En Los Ángeles, aprende a mantener la calma” brillan en la pantalla con el comediante convertido en superestrella de taquilla Eddie Murphy (Axel Foley) como un policía de Detroit que se mueve por un terreno desconocido cuando se dirige al Oeste para encontrar al asesino de su amigo de la infancia en las elegantes calles de 90210. Esta película es la primera de una franquicia de cuatro películas. La legendaria canción instrumental electrónica de la película “Axel F.” de Harold Faltermeyer marca el tono y el ritmo de una película que mantiene a los espectadores riendo y alentando a Axel Foley para que atrape a su hombre.
Las chicas de Chelsea (1966)
Dirigida por Andy Warhol y Paul Morrissey y descrita como “una telenovela experimental de doble proyección”, “Chelsea Girls” encapsula todo lo que hace que un Warhol sea un “Warhol”: juega con la forma y el contenido, ensamblando rollos completos de película sin editar de diversas maneras. Los rollos se proyectan uno al lado del otro, acompañados de bandas sonoras alternas, lo que se presta a interpretaciones casi infinitas por parte del público. La película de más de tres horas de duración narra la historia de personajes reales e imaginarios que podrían haber estado pasando el rato en el Chelsea Hotel de la ciudad de Nueva York. Incluye a “superestrellas” y amigos de Warhol como Nico, Ondine, Ingrid Superstar, Brigid Polk, Ed Hood, Patrick Flemming, Mary Woronov, International Velvet, Mario Montez, Marie Menken, Gerard Malanga, Eric Emerson y más. Es una cápsula del tiempo de una escena artística del centro de Nueva York que desapareció hace mucho tiempo pero no se olvidó. Conservada por el Museo de Arte Moderno: cámara de inversión de 16 mm original copiada fotoquímicamente en 1989.
Hilos comunes: historias de la colcha (1989)
Dirigida por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, “Common Threads” es un desgarrador registro de la mayor catástrofe de la nación en la década de 1980 y un extraordinario monumento al poder del dolor y el activismo para generar cambios. Ganadora del Premio de la Academia al Mejor Largometraje Documental, la película narra la creación y exhibición de la colcha conmemorativa del SIDA del Proyecto NAMES. Para ilustrar la trágica magnitud de las pérdidas, “Common Threads” incluye perfiles e historias personales de las personas conmemoradas, examina los amplios sectores de la sociedad afectados por el VIH/SIDA, así como los esfuerzos para combatir a quienes profundizaron la crisis a través del miedo, la desinformación y los prejuicios. Conservada por el Archivo de Cine de la Academia, Milestone Film & Video y Outfest UCLA Legacy Project, una asociación entre Outfest y el Archivo de Cine y Televisión de UCLA.
Compensación (1999)
El primer largometraje de la directora Zeinabu Irene Davis retrata dos historias de amor en Chicago, una ambientada en los albores del siglo XX y la otra en la época contemporánea, protagonizada por una mujer sorda y un hombre oyente. Interpretadas por los mismos actores (Michelle A. Banks y John Earl Jelks), ambas parejas se enfrentan al espectro de la muerte cuando al hombre se le diagnostica tuberculosis en la primera historia y a la mujer sida en la contemporánea. “Inspirada en un poema de Paul Laurence Dunbar (que murió de tuberculosis en 1906, a la edad de 33 años), “Compensation” adopta un enfoque narrativo inusual. Tras elegir a la actriz sorda Banks, Davis y el guionista Mark Arthur Chéry modificaron la película para incorporar el lenguaje de señas americano y carteles de presentación, haciéndola accesible tanto para el público sordo como para el oyente”, escribió la historiadora de cine Jacqueline Stewart, presidenta de la Junta Nacional de Preservación de Cine. Dirigida y aprobada por la directora Zeinabu irene Davis, esta restauración digital 4K fue realizada por Criterion Collection, el Archivo de Cine y Televisión de UCLA y Wimmin With a Mission Productions en conjunto con el Instituto Sundance a partir de un escaneo del negativo de la cámara original de 16 mm.
Baile sucio (1987)
“Nadie pone a Baby en un rincón”, y si fuiste un niño de la década de 1980, este es un musical PG-13 que rogaste a tus padres que vieran, a pesar de los temas difíciles que aborda la película: embarazo fuera del matrimonio, aborto, clasismo y antisemitismo. Patrick Swayze (Johnny Castle) y Jennifer Grey (Frances House) brillan en la pantalla como los improbables amantes principales. Aunque está ambientada en los resorts de Catskills de la década de 1960, más que un poco de la ética de la década de 1980 se abre camino en la película, actualizando los temas de «West Side Story» sobre el amor joven que rompe las barreras sociales a través de la música y el baile. Las películas de género musical para adolescentes de la década de 1980 como «Footloose» y «Dirty Dancing» siguen siendo influyentes e imitadas hasta el día de hoy, pero no hay paralelo a Baby y Johnny en la pista de baile.
Ganja y Hess (1973)
Bill Gunn ocupa un lugar destacado en cualquier lista de cineastas que merecen mucho más reconocimiento. En The New Yorker, el crítico de cine Richard Brody describió a Gunn como «un cineasta visionario que quedó al margen del período aparentemente más liberado del cine estadounidense». El clásico de culto de terror del dramaturgo, novelista, actor y director Gunn, «Ganja and Hess», causó sensación en Cannes en 1973. Cincuenta años después, esta película aborda las complejidades de la adicción, la sexualidad y la identidad negra que siguen siendo proféticas. Conservada por el Museo de Arte Moderno: Dos copias compuestas de 35 mm del estreno original, combinadas y copiadas fotoquímicamente en 2003.
Invasores de Marte (1953)
La década de 1950 produjo, sin duda, las películas de ciencia ficción más clásicas, alimentadas por la paranoia posterior a la Segunda Guerra Mundial sobre la bomba de hidrógeno, el rápido cambio tecnológico, el miedo a la expansión soviética y la infiltración comunista en la sociedad estadounidense. Dirigida por William Cameron Menzies con fotografía de John Seitz, la película cuenta con impresionantes decorados y fotografía en Supercinecolor. Este clásico independiente ayudó a crear el lenguaje visual del cine de ciencia ficción y fue una entrada significativa en el canon del cine de «paranoia de posguerra». Proyectos que van desde «Star Trek» hasta «El gigante de hierro» y «La invasión de los ladrones de cuerpos» llevan la huella temática de esta película. Restaurada por Ignite Films en colaboración con el Museo George Eastman, el Archivo Nacional de Cine y Sonido de Australia y el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA.
Control de la Tierra de KoKo (1928)
Imaginativas, atrevidas, surrealistas y no lineales caracterizan las películas de los estudios Fleischer, que lucharon contra Walt Disney Co. por la supremacía de la animación durante las décadas de 1920 y 1930, con sus estilos en pugna que deleitaron al público y dieron lugar a muchos avances técnicos. Entre las contribuciones de Max y Dave Fleischer se encuentran la rotoscopia y personajes legendarios como Betty Boop, Popeye y KoKo el Payaso. En esta película, KoKo y Fitz el Perro obtienen poder sobre las palancas que controlan la Tierra, con resultados desastrosos. “KoKo’s Earth Control” ha sido restaurada fotoquímicamente por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA a partir del negativo de nitrato original con los títulos principales restaurados y una sección faltante ampliada a partir de una fuente complementaria de 16 mm. La financiación de la restauración fue proporcionada por Jerry Beck, Will Ryan y la Sociedad Internacional de Cine de Animación, ASIFA-Hollywood.
Mi Familia (1995)
Durante los casi 250 años de historia de la nación, la inmigración ha alimentado la vitalidad continua de nuestra cultura, comercio y creatividad. El cambio demográfico clave en los últimos 75 años ha sido la inmigración latina. En “My Family”/”Mi Familia”, el director Gregory Nava crea una historia emotiva y evocadora de la vida familiar multigeneracional de una familia mexicano-estadounidense, narrada por un inmigrante de segunda generación. “Su historia se cuenta en imágenes de una belleza sorprendente y una gran energía desbordante; es raro escuchar tantas risas de un público que a veces también se conmueve hasta las lágrimas… Esta es la gran historia estadounidense, contada una y otra vez, de cómo nuestras familias llegaron a esta tierra y trataron de mejorarla para sus hijos”, escribió Roger Ebert.
El hacedor de milagros (1962)
Este celebrado trabajo inicial del director Arthur Penn cuenta la increíble historia real de Helen Keller y su decidida maestra Anne Sullivan, narrada en las notables actuaciones de Anne Bancroft y una joven Patty Duke. “The Miracle Worker” está anclada en la extraordinaria escena en la que Sullivan intenta enseñarle modales en la mesa a Keller. Narrada en crudo blanco y negro, y casi completamente carente de sentimentalismo, la austeridad de su producción permite que el poder de su historia y sus actuaciones se destaquen como un relato inspirador del potencial y la capacidad humana en acción.
Mi Idaho privado (1991)
El clásico de culto magníficamente original de Gus Van Sant, “My Own Private Idaho”, es una versión completamente nueva de “Enrique IV” de Shakespeare. River Phoenix, en una interpretación icónica de vulnerabilidad conmovedora, y Keanu Reeves interpretan a dos estafadores callejeros del noroeste (uno (Phoenix) lo hace para sobrevivir, el otro (Reeves) para humillar a su padre político) que se embarcan en una búsqueda por varios estados y luego a nivel internacional de la madre rebelde de Phoenix, pero también de un significado e identidad. El viaje, tal como lo creó el director Van Sant, es inquietante y emocionalmente cargado, representado con medidas iguales de visión onírica y realidad dura.
No es país para viejos (2007)
De la mente fecunda de los hermanos Coen, este western moderno (c. 1980) fue aclamado como un clásico casi desde el momento de su estreno independiente. Basada en la vívida novela de Cormac McCarthy, la película ganó el Oscar a la Mejor Película ese año. Junto con un excelente guión (también de los Coen) y una dirección tensa, la película se beneficia en un grado incalculable de su trío de actores principales. Josh Brolin está pasando por un mal momento y apenas logra sobrevivir cuando una fortuna en dinero de la droga cae en sus manos. Javier Bardem es el sociópata que quiere acabar con él y recuperar el dinero, y Tommy Lee Jones es el sheriff de Texas que se ve arrastrado a la violenta situación.
Carretera Powwow (1989)
Junto con las mujeres y otras personas de color, los nativos americanos fueron tratados con indiferencia o algo peor por Hollywood durante muchas décadas: se les dieron pocas oportunidades de dirigir, e incluso las películas con tramas nativas americanas tendían a perpetuar estereotipos. El clásico independiente “Powwow Highway” se convirtió en uno de los primeros en tratar a los nativos americanos como personas comunes que navegan por las complejidades de la vida cotidiana. En parte una ingeniosa película de amigos en la carretera, los críticos señalaron que “Powwow Highway” también contiene reflexiones sobre la relación de los nativos americanos con la tierra y su búsqueda de un núcleo espiritual para mantener su herencia nativa americana en la sociedad estadounidense. Basada en la novela del mismo nombre de David Seals, la película cuenta con la participación de Gary Farmer y A. Martinez.
El orgullo de los Yankees (1942)
Una de las películas deportivas más influyentes que ha inspirado al público durante décadas, “The Pride of the Yankees” está protagonizada por Gary Cooper, Teresa Wright y Walter Brennan. La película brilla como un homenaje memorable de Hollywood al hombre de hierro de los Yankees de Nueva York, el primera base Lou Gehrig, quien había fallecido recientemente por esclerosis lateral amiotrófica (ELA, también conocida como enfermedad de Lou Gehrig). Varios ex compañeros de equipo de los Yankees, como Babe Ruth, aparecen en la película, lo que le suma autenticidad y emoción. Este clásico amado culmina con la recreación de Cooper del famoso discurso de despedida de Gehrig de 1939 en el Yankee Stadium y su icónica y desgarradora coda: “Hoy, me considero el hombre más afortunado sobre la faz de la Tierra”.
La red social (2010)
Una película basada en el libro de Ben Mezrich “The Accidental Billionaires” que explora la creación del gigante de las redes sociales Facebook parecería a primera vista más bien el tema de un documental, demasiado seco, geek, intelectual y de ritmo lento para una producción comercial de Hollywood. En cambio, gracias a un elenco deslumbrante de actores jóvenes, el diálogo rápido y característico de Aaron Sorkin y la habilidad del director David Fincher para el ritmo y la creación de escenas, “The Social Network” se convierte en un análisis fascinante de los negocios y el capitalismo estadounidenses de la actualidad. La película ofrece tanto una mirada crítica a los desafíos personales y éticos que enfrentan los actores clave como una reflexión convincente sobre cuestiones más amplias relacionadas con la tecnología, el espíritu emprendedor, las limitaciones del genio y los peligros de que la sociedad se vuelva aislada, adicta y esclava de la tecnología y las maravillas que ofrece.
Niños espías (2001)
En “Spy Kids” (la primera película de una franquicia de gran éxito), Robert Rodríguez entrelaza la cultura hispana con la película incorporando elementos y valores culturales que hacen que los personajes se sientan distintos y universalmente identificables. El énfasis en la familia como su máxima prioridad y motivación principal a lo largo de las películas subraya la importancia de los vínculos familiares y la herencia cultural, lo que agrega profundidad y autenticidad a la historia. Esta encantadora película de fantasía de espías en la que los niños descubren que los trabajos diarios de sus padres no son aburridos es una maravillosa mezcla de películas como “Los Increíbles”, las películas de James Bond y “Mentiras Verdaderas”.
Star Trek II: La ira de Khan (1982)
Considerada a menudo como la mejor de las seis películas de Star Trek con el reparto original, “The Wrath of Khan” cuenta con la experta dirección de Nicholas Meyer y la conmovedora banda sonora de James Horner para realzar los siempre intrigantes guiones de “Star Trek”, que reflejan la visión de Gene Roddenberry. “Wrath” retoma un viejo némesis del episodio de televisión de 1967 “Space Seed”, con Kirk (William Shatner) y Spock (Leonard Nimoy) luchando contra el volátil y despiadado Khan (Ricardo Montalbán). En parte un juego interestelar del gato y el ratón entre naves espaciales, y en parte una batalla mano a mano alfa llena de testosterona entre Kirk y Khan, la película logra una verdadera resonancia al explorar temas sociales y personales más amplios, en este caso el sacrificio personal de Spock para salvar a la Enterprise: “Las necesidades de la mayoría superan las necesidades de unos pocos… o de uno solo”.
La matanza de Texas (1974)
Gráfica, escabrosa y absolutamente descarada en su brutalidad, “La matanza de Texas” se ha convertido, desde su debut en autocines y salas de cine, en una piedra de toque cultural, generacional y cinematográfica. Filmada por una miseria y supuestamente una producción tan difícil como puede ser una película (acosada por un calor récord y locaciones sucias), “Texas” establecería muchos de los principios de lo que se convertiría en el género gore/slasher/splatter, incluido el duradero tropo de la “chica final”. Condenada por muchos en el momento de su estreno por lo que se consideró su gratuidad, la película fue, sin embargo, acogida por los jóvenes espectadores de cine tanto por sus sustos que te hacen saltar del asiento (gran uso del aislamiento y la oscuridad) como por sus elementos de humor (muy) negro.
En el humo (1978)
La década de 1970 produjo una racha dorada de películas que hoy se consideran obras de arte esenciales (“El Padrino”, “Tiburón”, “Chinatown”, “Taxi Driver” y muchas más). Luego vinieron películas como la tremendamente popular “Up in Smoke”, un éxito inesperado que posiblemente estableció el género cinematográfico de “marihuaneros”. Cheech Marin y Tommy Chong reelaboraron muchas de sus rutinas cómicas para infundirle a esta película de placer para el público una diversión tonta y estúpida que te obliga a dejar el cerebro en la puerta. Algunos comentaristas expresaron su indignación por las payasadas contraculturales de Cheech y Chong al llenar los cines, pero sus quejas no tuvieron ningún impacto. El éxito de “Up in Smoke” allanó el camino para personajes cinematográficos memorables posteriores como Jeff Spicoli y The Dude.
Sábado por la noche en Uptown (1974)
La era de las películas con actores negros, enormemente populares, a menudo denominadas “blaxploitation”, comenzó a principios de la década de 1970 con grandes éxitos como “Shaft”. Aunque estas películas abrieron puertas que habían estado cerradas durante mucho tiempo para directores, escritores y actores negros, algunos miembros de la comunidad afroamericana sintieron que también fomentaban imágenes negativas. Para disipar los estereotipos y dejar su propio sello en la época, Sidney Poitier dirigió “Uptown Saturday Night”, una comedia policial divertida, entretenida y arriesgada sobre dos trabajadores manuales que intentan recuperar una billetera robada que contiene un boleto de lotería premiado. La película está protagonizada por Poitier, Bill Cosby y Harry Belafonte y cuenta con un elenco de reparto notable que incluye a Calvin Lockhart, Flip Wilson, Richard Pryor, Paula Kelly, Roscoe Lee Browne, Don Marshall, Rosalind Cash, Paul Harris y Harold Nicholas.
Voluntad (1981)
En esta notable pero desconocida película independiente de micro presupuesto, un ex jugador de baloncesto lucha por superar la adicción, con la esperanza de recuperarse y tener una segunda oportunidad para poder ser mentor de jóvenes. “Will” es considerada ampliamente como el primer largometraje independiente dirigido por una mujer negra (Jessie Maple). Maple tuvo una carrera pionera como directora de fotografía y directora en la industria cinematográfica. “Will”, protagonizada por Obaka Adedunyo y Loretta Devine, contiene algunas representaciones gráficas de la adicción, pero también un mensaje de esperanza y resiliencia. Las escenas filmadas a principios de la década de 1980 en Harlem que representan sus espacios y su vibrante vida callejera se suman a la importancia de la película como un registro cultural invaluable. Preservada a partir de material de la colección Jessie Maple Patton en el Centro y Archivo de Cine Negro de la Universidad de Indiana. Una restauración digital 4k fue realizada por el Centro y Archivo de Cine Negro con el Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana del Smithsonian y el Centro de Artes Mediáticas Afroamericanas.
Películas de estudiantes de Zora Lathan (1975-1976)
Seis cortometrajes en 16 mm creados por Adaora “Zora” Lathan durante su etapa como estudiante de cine en la Universidad de Illinois, Chicago, conforman esta selección. Si bien los filmes de Lathan se centran en los miembros de su familia y los espacios domésticos, ella no los clasifica como películas caseras. En cambio, Lathan los describe como obras de arte diseñadas para “mostrar las técnicas cinematográficas disponibles a mediados de la década de 1970” y reflejar el enfoque de “resolución de problemas” enfatizado por el programa de diseño de la UIC. Lathan buscó crear cortometrajes visualmente atractivos que presentaran viñetas íntimas sobre la extravagancia, los experimentos y los placeres de la vida cotidiana, como hacer un pastel. Preservado en 2022 a partir de los elementos originales de inversión de cámara por el Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana del Smithsonian a través de una subvención de la National Film Preservation Foundation.
Acerca del Registro Nacional de Cine
En 1988, el Congreso creó la Junta Nacional de Preservación de Películas para asesorar al Bibliotecario del Congreso sobre políticas nacionales de preservación y selecciones anuales para el Registro Nacional de Películas, y se le dio a la Biblioteca el mandato de preservar el registro de la herencia cinematográfica de Estados Unidos.
Según los términos de la Ley Nacional de Preservación de Películas, cada año el Bibliotecario del Congreso nombra 25 películas para el Registro Nacional de Películas que son significativas desde el punto de vista cultural, histórico o estético. Las películas deben tener al menos 10 años de antigüedad. Puede encontrar más información sobre el Registro Nacional de Películas en loc.gov/film .
El bibliotecario realiza las selecciones del registro anual después de consultar con los distinguidos miembros de la Junta Nacional de Preservación de Películas y un grupo de especialistas de la Biblioteca. También se consideraron 6.744 títulos nominados por el público. Las nominaciones para el próximo año se aceptarán hasta el 15 de agosto de 2025 en loc.gov/programs/national-film-preservation-board/film-registry/nominate/ .
Muchos de los títulos incluidos en el registro ya han sido preservados por los titulares de los derechos de autor, cineastas u otros archivos. En los casos en que un título seleccionado aún no ha sido preservado, el Centro Nacional de Conservación Audiovisual de la Biblioteca del Congreso trabaja para garantizar que la película sea preservada por alguna entidad y esté disponible para las generaciones futuras, ya sea a través del programa de preservación de películas de la Biblioteca o mediante iniciativas de colaboración con otros archivos, estudios cinematográficos y cineastas independientes.
El centro está ubicado en el Campus Packard de la Biblioteca en Culpeper, Virginia, una instalación de última generación donde la biblioteca del país adquiere, preserva y brinda acceso a la colección más grande y completa del mundo de películas, programas de televisión, transmisiones de radio y grabaciones de sonido ( loc.gov/avconservation ). Alberga más de 10 millones de artículos de colección.
La Biblioteca del Congreso es la biblioteca más grande del mundo y ofrece acceso al registro creativo de los Estados Unidos (y a una gran cantidad de materiales de todo el mundo) tanto en su sede como en línea. Es el principal brazo de investigación del Congreso de los Estados Unidos y la sede de la Oficina de Derechos de Autor de los Estados Unidos. Explore las colecciones, los servicios de referencia y otros programas y planifique una visita en loc.gov ; acceda al sitio oficial de información legislativa federal de los Estados Unidos en congress.gov ; y registre las obras creativas de su autor en copyright.gov .
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